Historia, estilos y tradiciones musicales

Las fuentes musicales Greco romanas son básicamente: Volúmenes de enciclopedia. Relatos escritos, bajo relieves, mosaicos pinturas y esculturas. Fragmentos de colecciones de libros antiguos. Instrumentos que se han conservado.

Las fuentes musicales Greco romanas son básicamente: Volúmenes de enciclopedia. Relatos escritos, bajo relieves, mosaicos pinturas y esculturas. Fragmentos de colecciones de libros antiguos. Instrumentos que se han conservado.

El origen de la música occidental se encuentra en: La cultura egipcia y los ritmos orientales. La cultura occidental. La cultura grecorromana y la iglesia cristiana primitiva. El canto gregoriano.

En la mitología griega, la música tenía un origen: Exclusivamente lúdico. Puramente religioso. Divino, curativo y purificador. Académico.

El estudio del efecto que la música ejerce sobre el cuerpo, espíritu y mente se denomina: Teoría de los modos. Teoría de círculo de quintas. Teoría epistémica. Teoría del Ethos.

En la Antigua Grecia la música se dividía en: Músicas vinculadas al culto de Apolo y Dionisio. Músicas vinculadas al culto de héroes, dioses y semidioses. Música divina y música terrestre. Música culta y música popular.

La teoría musical griega se basaba en: La teoría del círculo de quintas. Un sistema musical basado en neumas. Un sistema sonoro llamado tetracordo. Un sistema musical basado en tonos simples y tonos compuestos.

Los tipos de celebraciones religiosas de la Iglesia cristiana primitiva eran: Los sacramentos y los mandamientos. La misa y los oficios. La dulía, hiperdulía y latría. La liturgia de las horas en los monasterios.

Canto gregoriano recibe su nombre gracias a: El papa Gregorio I. El papa Gregorio II. A Gregorio de Aviñón. Gregorio de Elvira.

Para unificar y recodificar la liturgia y normalizar y regularizar los cantos el papa Gregorio I: Publica la encíclica “Laudato Si”. Establece diócesis gobernadas por obispos. Crea el tribunal para la doctrina de la fe. Parte del rito romano como base.

Los cantos invariables del ordinario de la misa son: Maitines, Laudes, Vísperas y Completas. Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus y Agnus Dei. Aleluya y comunión. Introito, Gradual, Aleluya, Tracto, Secuencia, Ofertorio y Comunión.

Las horas mayores del Oficio Divino son: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus y Agnus Dei. Angelus y Regina Caeli. Maitines, Laudes, Vísperas y completas. Prima, Tercia, Sexta y Nona.

El libro litúrgico denominado Graduale contiene: La música destinada a la misa. La música destinada al culto de la Virgen. La música destinada al oficio divíno. La música profana de la época.

El libro litúrgico denominado Antifonario contiene: La música destinada a la misa. La música destinada al canto profano. La música profana de la época. La música destinada a los oficios.

Al principio, el canto gregoriano se transmitía por: Transmisión oral. Transmisión escrita. Lenguaje de signos. Partituras.

El tetragrama o sistema de cuatro líneas lo describió: San Gregorio I. Alfonso X el sabio. Guido d’Arezzo. Luís de Narváez.

La notación adiastemática es: Aquella en la que los sonidos se disponen a partir de una línea horizontal de color rojo. La notación propia de un monasterio o catedral. Aquella en la que no se utilizan líneas adicionales pero sí marcas para indicar la altura de los sonidos. Aquella en la que ni se utilizan líneas adicionales ni marcas para indicar la altura de los sonidos.

La notación diastemática es: Aquella en la que no se utilizan líneas adicionales pero sí marcas para indicar la altura de los sonidos. Aquella en la que sí se utilizan líneas adicionales y marcas para indicar la altura de los sonidos. La notación propia de un monasterio o catedral. Aquella en la que los sonidos se disponen a partir de una línea horizontal de color rojo.

Los principales difusores de la canción de gesta, la lírica trovadoresca y las danzas fueron: Los trovadores. Los monjes. La Camerata Fiorentina. Los juglares.

La temática de las cántigas monofónicas es: Cantares de gesta y de epopeyas épicas. Amor cortés. De carácter religioso y profano centradas en temática mariana. De temática bélica y de crónica de guerra.

El Ars Antiqua es: Es el período musical comprendido entre los siglos XII y XIII. Es el período musical comprendido entre los siglos XIII y XIV. Es el período musical comprendido entre los siglos XI y XII. Es el período musical comprendido entre los siglos XII y XV.

El organum nota versus nota podía ser: Paralelo o estricto, melismático, o libre. Melismático, o por movimiento contrario. Totalmente libre. Paralelo o estricto, por movimiento contrario, o libre.

En el Organum nota versus nota: Cada nota de la melodía principal se corresponde con un melisma de la melodía secundaria. Cada nota de la melodía principal se corresponde con otra de la melodía secundaria. Las notas de las melodía principal y secundaria no se corresponden en ningún momento. Las notas de la melodía principal hacen de nota pedal.

El Organum paralelo o estricto es: Añadir a la melodía principal (vox principalis), de una segunda voz (vox organalis) por movimiento de voces paralelo. Añadir a la melodía principal (vox principalis), de una segunda voz (vox organalis) por movimiento de voces tanto contrario como paralelo. Añadir a la melodía principal (vox principalis), de una segunda voz (vox organalis) por movimiento de voces contrario. Añadir a la melodía principal (vox principalis), de una segunda voz (vox organalis) en forma de canon.

El Organum por movimiento contrario es: Añadir a la melodía principal (vox principalis), de una segunda voz (vox organalis) por movimiento de voces paralelo. Añadir a la melodía principal (vox principalis), de una segunda voz (vox organalis) por movimiento de voces tanto contrario como paralelo. Añadir a la melodía principal (vox principalis), de una segunda voz (vox organalis) por movimiento de voces contrario. Añadir a la melodía principal (vox principalis), de una segunda voz (vox organalis) en forma de canon.

El organum melismátiuco se compone de: Soprano y bajo. Soprano y contralto. Vox principalis y vox organalis. Tenor y contrabajo.

En el organum melismático: Surgió como movimiento contrario al exceso del organum nota versus nota. Es también conocido como “de Aquitania” o “de San Marcial”. Es conocido como “Ars subtilior”. Es conocido como “de Provenza” o de San Fermo”.

Señala las principales técnicas de composición del Ars Antiqua: Sonata y motete. Fuga y Sonata. Conductus y motete. Motete Isorrítmico y chansón.

Principales compositores de la Escuela de Notre Dame de París en el S. XII: Guido d’Arezzo y Alfonso X el sabio. Guillaume de Machaut y Leoninus. Leoninus y Perotinus. Ninguna de las respuestas es correcta.

El conductus es: La primera expresión musical escrita de música profana. Una composición polifónica de carácter litúrgico destinada al introito de la misa. La primera expresión en la historia occidental del concepto de una obra polifónica totalmente original. Música profana compuesta por maestros de capilla del siglo XII de Notre Dame de París.

Señala la principal técnica de composición del Ars Nova francés: Conductus. Sonata. La Ballada. Motete Isorrítmico.

El Ars Nova nació por la influencia de: Los postulados compositivos de Guillaume de Machaut. Un tratado musical escrito por el compositor Philippe de Vitry. La influencia de la escuela catedralicia de Notre Dame de París. La innovaciones polifónicas surgidas en Roma en el siglo XII.

El Motete Isorrítmico del S.XIV se compone de: Color y Talea. Introducción y desarrollo. Hocquetus y tenor. Tetracordos.

El principal compositor del Ars Nova francés es: Leonin. Perotin. Guillaume de Machaut. Luís de Narváez.

El principal centro español del Ars Nova es: El monasterio de San Lorenzo del Escorial, en Madrid. El monasterio de Montserrat en Cataluña. El monasterio de San Juan de la Peña en Huesca. El monasterio de Santo Toribio de Liébana en Cantabria.

El Ars Subtilior es: Un tipo de composición musical del S. XIV que presenta complejidad en el ritmo y en la notación. Un tipo de música de transmisión oral. Un tipo de composición musical que se dio en el S.X. La recopilación de todas las artes.

El centro cultural donde surgió el Ars subtilior fue: Montserrat. París. Aviñón. Toulouse.

Las temáticas principales de las composiciones del Ars subtilior son: Oraciones y cantos del ordinario de la misa. Las horas mayores de Maitines, Laudes, Vísperas y completas. Loas a la Virgen María. Amor, caballería, guerra o de alabanza.

El Llibre Vermell de Montserrat es: La reproducción en catalán del Códice Calixtino. Una recopilación de cantos polifónicos para la liturgia de los mártires. Un manuscrito medieval que data del siglo XIV. Un antifonario litúrgico para las misas de difuntos.

El manuscrito de la “Missa de Barcelona” contiene: Una colección de piezas monódicas con acompañamiento instrumental compuestas por el rey Martín I de Aragón. Las loas a Nuestra Señora María Santísima de Jaime I el Conquistador. Los oficios de Requiem del rey Pedro II el Ceremonioso. Una colección de piezas del ordinario en textura polifónica procedente de la capilla del rey Martín I de Aragón.

Las formas de composición de la escuela franco-flamenca del Renacimiento son: El motete y el organum. La sonata y la fuga. La chanson, la misa de imitación o parodia, y el canon. El organum y el motete isorrítmico.

Los principales compositores de la escuela franco-flamenca en el Renacimiento son: Johannes Ockeghem y Josquin des Prés. Vivaldi y Mozart. Leoninus y Perotinus. Luís de Narváez y Tomás Luís de Victoria.

En el Renacimiento una Chanson es: Una melodía profana usada para la salmodia del Oficio Divino. Una melodía profana heredada de la edad media. Una canción popular editada en imprenta. Un conjunto de danzas renacentistas instrumentales.

En el Renacimiento una misa de parodia es: Una misa posterior al Concilio Vaticano II. Un conjunto de motetes renacentistas adaptados a la liturgia de las horas. Una representación musical de pasajes del evangelio como la pasión de Cristo. Una composición a partir del desarrollo libre de material musical procedente de una Chanson.

En el Renacimiento musical, un canon es: El desarrollo de una línea melódica de forma consecutiva por dos o más voces. La forma de vestir obligatoria de todos los ministriles de los edificios catedralicios. Una forma musical de forma ABBA. Las normas de conducta prescritas por la Iglesia Católica.

La principal forma profana del S.XVI en España fue: La zarzuela. El motete. El villancico. La chanson.

Los principales compositores del S. XVI en España fueron: Leoninus y Perotinus. Bach y Beethoven. Cristóbal de Morales, Francisco Guerrero y Tomás Luis de Victoria. Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart.

El compositor que mejor simboliza el espíritu de la Contrarreforma es: Claudio Monteverdi. Tomás Luís de Victoria. Arnold Schönberg. Giovanni Pierluigi da Palestrina.

La finalidad de la música de la Contrarreforma fue: Evitar la utilización de músicas profanas en los ritos y simplificar la complejidad de la polifonía que imposibilitaba la comprensión de los textos. Introducir nuevas técnicas compositivas como el cantus firmus. Difundir la música del culto. Acercar la música profana al culto.

Una de las principales innovaciones musicales de la Iglesia luterana fue: La técnica del Hocketus. La utilización del organum paralelo. La introducción del Choral o himno estrófico. El abandono de las funciones tonales clásicas.

Los objetivos que Martín Lutero pretendía por medio de la Reforma musical fueron: Elevar el valor educativo de la música y pasar a una música meramente ornamental que permitiese comprender la liturgia por medio de las explicaciones del celebrante. Destacar de entre todos los compositores de la época a los polifónicos. Hacer más comprensible el sentido del texto traduciéndolo del latín al alemán, y permitir que el pueblo participase en las partes cantadas de las ceremonias. Destacar la melodía y la expresión de los sentimientos como vehículo de acercamiento a Dios.

A nivel musical un madrigal es: La forma profana más importante del Renacimiento italiano. El antiguo campo del Villareal club de fútbol. Una composición surgida en el siglo XVI en la corte de Madrid. La forma profana más importante del Renacimiento Holandés.

La Contrarreforma Católica se dirimió en: El concilio de Nicea. El concilio Vaticano II. El concilio de Trento. El concilio de Toledo.

A nivel musical la Contrarreforma Católica pretendía: Fomentar la participación de los laicos en la liturgia de la iglesia mediante himnos adaptados de melodías populares. Evitar la complejidad de la polifonía, que imposibilitaba la comprensión de los textos. Extender el uso del órgano como instrumento musical para dar más honra a Dios en el culto. Institucionalizar las capillas musicales encargadas de extender el mensaje evangélico siguiendo los postulados de Roma.

Señala quién de estos personajes históricos no formaron parte del movimiento de la reforma: Martín Lutero. Juan Calvino. Ulrico Zuinglio. Tomás de Aquino.

La manera de componer al estilo barroco durante el siglo XVII se conoce como: Practtica et contraprattica (“práctica contraria”) o stille di contrapunto. Seconda prattica (“segunda práctica”) o stile moderno. Prima prattica (“primera práctica”) o stile antico. Ars nova.

Señala la característica principal del estilo compositivo Barroco: Canon. Melisma. Bajo continuo. Ars Subtilior.

El destacado compositor que en el Barroco cultivó tanto música instrumental (para tecla y orquesta) como música vocal (cantatas eclesiásticas y Pasión) fue: Claudio Monteverdi (1567-1643). Jean Baptiste Lully (1632-1687). Henry Purcell (1659-1695). Johann Segasitan Bach (1685 - 1750).

En el Barroco se distinguen tres tipos de conciertos: El concerto orquestal, el concerto grosso y el concerto solista. El concerto orquestal, el concerto rápido, y el concerto solista. El concerto orquestal, el concerto grosso y el concerto acompañado. El concerto orquestal, el concerto grosso y el tutti.

La ópera francesa estaba representada por: La semiópera y Henry Purcell. La tragédie lyrique género inaugurado por Jean-Baptiste Lully. Las piezas para clave donde destaca François Couperin. Antonio Vivaldi.

El compositor más importante en la transición del Renacimiento al Barroco fue: Jean Baptiste Lully (1632-1687). Henry Purcell (1659-1695). Claudio Monteverdi (1567-1643). Johann Segasitan Bach (1685 - 1750).

La Camerata Fiorentina o Camerata de los Bardi era: Un grupo de amigos que se reunían para componer música al stile antico. Un grupo de eruditos que componían música con la técnica del bajo continuo. Un grupo de músicos que componían con la técnica del hoquetus. Un grupo de eruditos que se reunían para determinar discutir y guiar las tendencias del arte y especialmente de la música.

Los inicios del Barroco musical estuvieron determinados por dos acontecimientos importantes como: La Reforma Luterana y la aparición del bajo continuo. La Contrarreforma y la aparición de la técnica del Hoquetus. El nacimiento de la ópera y un proceso evolutivo de la escritura musical que culminará en el S. XVIII con el establecimiento definitivo de la tonalidad. La aparición de la imprenta y un cambio en la localización de los principales centros musicales europeos.

Georg Friedrich Händel destacó por la composición religiosa de: Pasiónes. Missas. Oratorios. Requiems.

Las características musicales del Clasicismo son: Importancia de los estados de ánimo y los sentimientos, aparece el concierto de auditorio y la figura del público, nace la historiografía y la crítica musical, se consolida la tonalidad mayor y menor, se introduce el bitematismo, desaparece el bajo continuo, se introduce la figura del director de orquesta, triunfa la melodía acompañada, y aparece un nuevo concepto de dinámica o gradación del volumen por medio del crescendo y el diminuendo. La prima prattica y la seconda prattica, la retórica musical, la consolidación del lenguaje instrumental, y la aparición del bajo continuo. Surge el lied, el poema sinfónico, el drama musical y la pieza para piano, continúa con cromatismos, alteraciones y enarmonías. Sigue predominando la melodía, pero ahora como vehículo de la expresión de los sentimientos. Experimentación tímbrica. Grandes masas sonoras. Mayor carga psicológica y poética del ritmo. Se produce una mayor unión entre música y el contenido del texto (música programática). Se abandonan las funciones tonales, se utilizan los 12 semitonos de la escala cromática de forma libre, y ausencia de un tema articulado.

El movimiento cultural e intelectual fundamentado en la confianza absoluta en la razón humana denominado Ilustración surgió en: El Clasicismo. El Romanticismo. El Barroco. El Renacimiento.

Los géneros destacados de la música instrumental del Clasicismo fueron: La sonata y el lied. La sinfonía y el organum. La sonata y la sinfonía. La sonata y la ópera cómica.

Los principales compositores del Clasicismo fueron: Mozart, Haydn y Monteverdi. Haydn, Metastasio y Monteverdi. Metastasio, Monteverdi y Handel. Haydn, Mozart y Beethoven.

La sonata clásica es una composición en tres o cuatro movimientos de atmósfera y tempos contrastantes en la que cada uno de estos movimientos sigue el esquema: Ternario reexpositivo (exposición-desarrollo-reexposición) y el principio de bitematismo (dos temas contrastantes). Binario con dos temas contrastantes. Cuaternario con cuatro partes estructuradas de manera contrastante. Binario con tres temas contrastantes.

La ópera seria del clasicismo destaca por: Evitar situaciones cómicas o dramáticas que influyan en las emociones. Precisar de autorización eclesiástica mediante nihil obstat para representarse. El predominio del recitativo y el coro. Un argumento inspirado en la mitología clásica.

La ópera cómica o buffa del clasicismo destaca por: Ser representada de forma clandestina por la prohibición de la Iglesia Católica. Surgir de los intermezzi de la ópera seria. Estar pensada para representarse de forma ambulante. Ser una crítica o sátira a la clase política y religiosa del momento.

La ópera reformada del clasicismo destaca por: Surgir de las directrices marcadas en el Concilio de Trento tras la reforma. Uso de las lenguas vernáculas. Evitar situaciones cómicas o dramáticas que influyan en las emociones. Un argumento inspirado en la mitología clásica pero con héroes humanos.

La melodía acompañada es: Protagonismo de una melodía sobre el resto de las voces que realizan un relleno armónico con acordes. Un cantante solista que recita un aria o recitativo acompañado por el bajo continuo de la orquesta. Una frase musical que se repite a distintos tiempos creando una fuga. Un recurso compositivo del Ars Nova.

No es un representante de la ópera metastasiana: Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736). Johann Wenzel Anton Stamitz (1717-1775). Adolph Hasse (1699-1783). Carl Heinrich Graun (1704- 1759).

El compositor que se adelantó a su tiempo anunciando el Romanticismo fue: Mozart (1756-1791). Haydn (1732-1809). Monteverdi (1567-1643). Beethoven (1770-1827).

En el romanticismo un lied es: Canción alemana para voz y acompañamiento de piano en la que la música y la palabra se fusionan. Reducciones para piano de arias operísticas para ser cantadas en las casas burguesas. Recurso compositivos consistente en alternas compases binarios y ternarios. La unión musical del estilo clásico y romántico en la ópera.

Durante el romanticismo musical el instrumento que alcanzó su máxima popularidad fue: El clave. El saxofón. El piano. El órgano.

La ópera romántica italiana de la segunda mitad del siglo XIX de caracteriza por: El uso de temática grecorromana basado en la tragedia teatral griega. Una fuerte inspiración nacionalista. La introducción de la temática medieval sustituyendo a la mitología grecolatina. La reivindicación de políticas reformadoras y lucha contra las monarquías europeas.

El concepto Obra de arte total o (Gesamtkunstwerke) proviene de las composiciones de: Giuseppe Verdi (1813-1901). Johannes Brahms (1833-1897). Wilhelm Richard Wagner (1813-1883). Franz Schubert (1797-1828).

El concepto leitmotiv en música se refiere a: Una orquestación que comenta la acción. Secuencias de acordes sin resolución y cromatismos para aumentar el dramatismo y retrasar el desenlace. La expresión de sentimientos mediante la música. Una caracterización psicológica de los personajes a través de la melodía.

El máximo representante del sinfonismo del XIX es: Giuseppe Verdi (1813-1901). Johannes Brahms (1833-1897). Wilhelm Richard Wagner (1813-1883). Franz Schubert (1797-1828).

La ópera italiana del siglo XIX surge a partir de: La fusión de la ópera seria y cómica. Un movimiento identitario de la lucha contra la monarquía. La influencia musical germánica. La búsqueda de identidad de la clase burguesa ante la antigua nobleza.

De los siguientes personajes no es un compositor del periodo romántico: Johannes Brahms (1833-1897). Wilhelm Richard Wagner (1813-1883). Víctor Hugo (1802-1885). Giuseppe Verdi (1813-1901).

Los compositores destacados en el Posromanticismo son: Haydn (1732-1809), Mozart (1756-1791), y Beethoven (1770-1827). Antonio Vivaldi (ca. 1676 – 1741) y Georg Friedrich Händel (1685- 1759). Cristóbal de Morales (ca. 1500-1553), y Juan del Encina (1469- 1529). Gustav Mahler (1860-1911) y Richard Strauss (1864-1949).

El ejemplo más ilustrativo de la música programática es: El poema sinfónico. La música instrumental posromántica. La música vocal romántica. La música estocástica.

El movimiento musical que creó una conciencia colectiva propia de cada nación abandonando la expresión de la emoción personal y expresando la colectividad de un pueblo se denomina: Ars Nova. Posromanticismo. Nacionalismo. Anarcomusicalismo.

Balakirev (1837-1910), Cui (1835-1918), Mussorgski (1839-1881), Borodin (1833-1887) y Kórsakov (1844-1908) formaron parte del llamado: El grupo de los cinco que representó el nacionalismo ruso. El grupo de los cinco que formaron la Camerata Fiorentina o Camerata de los Bardi. El grupo de los cinco que representaron el movimiento de la Ilustración. Les six.

¿Cuáles de los siguientes compositores formaron parte de la escuela nacionalista de los países escandinavos?. Béla Bartók (1881-1945) y Antonin Dvorák (1841-1904). Charles Ives (1874-1954), Aaron Copland (1900-1990) y George Gershwin (1898-1937). Charles Ives (1874-1954) y Antonin Dvorák (1841-1904). Edvard Grieg (1843-1907) y Jan Sibelius (1865-1957).

¿Cuáles de los siguientes compositores formaron parte de la escuela nacionalista de EEUU?. Béla Bartók (1881-1945) y Antonin Dvorák (1841-1904). Edvard Grieg (1843-1907) y Jan Sibelius (1865-1957). Charles Ives (1874-1954), Aaron Copland (1900-1990) y George Gershwin (1898-1937). Charles Ives (1874-1954) y Antonin Dvorák (1841-1904).

¿Cuáles de los siguientes compositores formaron parte de la escuela nacionalista de España?. Cristóbal de Morales (ca. 1500-1553), Palestrina (1525-1594) y Tomás Luís de Victoria (ca. 1548-1611). Cristóbal de Morales (ca. 1500-1553), Claudio Monteverdi (1567- 1643) y Tomás Luís de Victoria (ca. 1548-1611). Isaac Albéniz (1860-1909), Enrique Granados (1867-1916) y Manuel de Falla (1876-1946). Balakirev y Mussorgski.

El impresionismo en música utiliza: Armonías complejas y bien estructuradas donde destaca la forma sonata. Melodías virtuosas en forma de canon. Una armonía libre, evita el lirismo y tiene una estructura formal difuminada como resultado de la suma de ideas o motivos musicales. Lenguajes del pasado, más sencillos, eclécticos y, sobre todo, más próximos al gran público.

El impresionismo en música pretende: Plasmar en las obras las impresiones que le causa la contemplación del mundo exterior. Proyectar en las obras los propios sentimientos y emociones del mundo interior del compositor y tiende a un lenguaje atonal. Impresionar al oyente. Provocar emociones en el oyente.

El principal compositor impresionista es: Wagner (1813-1883). Beethoven (1770-1827). Edvard Grieg (1843-1907). Claude Debussy (1862-1918).

El expresionismo fue un movimiento artístico que surgió en el primer cuarto del siglo: XVIII. XIX. XX. XVII.

El expresionismo en música pretende: Proyectar en su obra los propios sentimientos y emociones del mundo interior del compositor y tiende a un lenguaje atonal. Plasmar en la obra las impresiones de los demás. Impresionar al oyente mediante los recurso armónicos seriados. Simplificar el discurso musical y evocar épocas pasadas.

Las características principales del expresionismo son: La prima prattica y la seconda prattica, la retórica musical, la consolidación del lenguaje instrumental, y la aparición del bajo continuo. Un estilo compositivo que se basó en la tonalidad. Abandono de las funciones tonales clásicas, utilización de los 12 semitonos de la escala cromática de forma libre y la ausencia de un tema articulado. Melodías cantábiles con un ámbito melódico estrecho y por grados conjuntos.

El máximo representante del expresionismo fue: Isaac Albéniz (1860-1909). Claudio Monteverdi (1567-1643). Pietro Metastasio (1698-1782). Arnold Schönberg (1874-1951).

El grupo de compositores formado por Louis Durey (1888- 1979), Arthur Honegger (1892-1955), Darius Milhaud (1892- 1974), Francis Poulenc (1899-1963), George Auric (1899-1983) y la compositora Germaine Tailleferre (1892-1983), desarrollaron sus composiciones en el Neoclasicismo, y se denominó: El grupo de los cinco. El grupo Les Six. Camerata Fiorentina o Camerata de los Bardi. La camarilla afrancesada.

El serialismo integral es uno de los métodos desarrollados a partir de 1950 y consiste en componer obras aplicando los principios seriales a cada uno de los parámetros principales del sonido. Los compositores más destacados que desarrollaron este procedimiento son: Messiaen (1908-1992) y dos de sus discípulos Boulez y Stockhausen. Isaac Albéniz (1860-1909), Enrique Granados (1867-1916) y Manuel de Falla (1876-1946). Cristóbal de Morales (ca. 1500-1553), Palestrina (1525-1594) y Tomás Luís de Victoria (1548-1611). Mily Balakirev (1837-1910), César Cui (1835-1918) Modest Mussorgski (1839-1881), Alexander Borodin (1833-1887) y Rimski-Kórsakov (1844-1908).

La música que recoge sonidos y ruidos procedentes de la naturaleza o la ciudad mediante cintas magnetofónicas y altera estos sonidos en el laboratorio con la finalidad de generar otros nuevos sonidos se denomina: Clásica. Electrónica. Aleatoria. Concreta.

La música que genera sonidos electrónicamente y son modificados con la finalidad de obtener una gran variedad de timbres y combinaciones sonoras se denomina: Aleatoria. Clásica. Electrónica. Estocástica.

La música que se obtiene a partir de la ejecución libre y de manera espontánea de una composición a partir de unas indicaciones gráficas o de la combinación de signos gráficos y notación musical se denomina: Electrónica. Aleatoria. Adiastemática. Ecléctica.

La música que utiliza los cálculos matemáticos para construir unos gráficos que se traducen en notación musical se denomina: Electrónica. Escolástica. Aleatoria. Estocástica.