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TEST BORRADO, QUIZÁS LE INTERESE: Proyectos de Composición Audiovisual 2
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Título del Test:
Proyectos de Composición Audiovisual 2

Descripción:
Test Master

Autor:
Vicente
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Fecha de Creación: 24/06/2024

Categoría: Otros

Número Preguntas: 40
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Temario:
¿En qué consiste lo narrativo en las películas? Consiste en plantear el argumento del film y elaborarlo mediante un guion técnico. En plantear los sucesos según un plan temporal, ya sea cronológicamente, de forma paralela o con rupturas en el tiempo. En la forma en que la narración se estructura temporalmente, fundamentalmente describiendo los personajes y las imágenes. Consiste en describir los objetos, personas o situaciones temporalmente. En establecer todos aquellas tramas, descripciones y elaboraciones argumentales que delimitan la acción dramática.
¿Cuál es la sustancia del contenido en la estructura narrativa? Es la plasmación de los conflictos dramáticos en la narración. Son los acontecimientos, acción, espacio, tiempo y personajes de la narración. Es la forma en que se plasma la historia según los códigos de cada género cinematográfico. Es la propia historia narrada, la cual estructura el contenido de la narración. Es el modo en que se plantea la historia según los códigos de cada cineasta.
La música que mejor se adapta a la caracterización dramática en las películas: Es aquella música descriptiva o decorativa cuyas funciones musivisuales principales son las internas o psicológicas, aunque también puede cumplir funciones externas o físicas. Es fundamentalmente extradiegética, sigue detenidamente la narración y cumple sobre todo funciones técnicas o cinematográficas. Es la que se emplea como subrayado de la acción dramática como música diegética, ya que surge directamente de la propia narración. Es aquella que se relaciona directamente con los sucesos narrados y sigue la temporalidad cinematográfica, además de ser capaz de representar los conflictos dramáticos. Es aquella que es empleada para realzar los valores físicos, especialmente los gestos y movimientos de los personajes.
Para caracterizar psicológicamente a los personajes de una película: Se utiliza la función prosopopéyica caracterizadora, para revelar la psicología y la naturaleza de un personaje. Se emplean tanto el leitmotiv como funciones psicológicas. Se aplica la función prosopopéyica descriptiva, empleada para revelar los pensamientos de un personaje, así como la función cinemática, para subrayar sus sentimientos. Se utiliza la función emocional para revelar las emociones de los personajes. Se hace uso de funciones descriptivas, como la función pronominal y la función informativa.
¿En qué consiste un leitmotiv? En la utilización de una o más células musicales como etiqueta identificativa asociada a un personaje, nunca a un objeto, ya que entonces se trataría de un motivo. Se trata de un motivo que cumple una función pronominal, es decir, de servir de elemento de nexo entre éste y un pro-nombre concreto en la película. El leitmotiv consiste en la asociación de un breve elemento melódico (motivo) a un personaje, objeto o situación. Es una frase musical con una especial relevancia en el contexto narrativo de modo que puede asociarse a diferentes personajes, objetos o situaciones. Es un motivo empleado en la ópera wagneriana y usado en el cine como recurso melódico para crear los temas circunstanciales de la película.
¿Qué es el carácter en la música de cine? Es el que se relaciona de forma paralela con el carácter de la imagen que se muestra en pantalla, no habiendo posibilidad de realizar otro que el que aparece representado dramáticamente. Es aquel que el compositor ha sabido imprimir en su música para dotarla de la máxima expresividad. Es el que se basa en los términos en italiano utilizados en la música clásica. El carácter en la música de cine es, como en la música autónoma o de concierto, el que está indicado en la partitura y los intérpretes han sabido expresar adecuadamente en la grabación. Es una determinada configuración sonora basada en diferentes características musicales (melodía, fraseo, ritmo, armonía, articulación, etc.) que se relaciona por proximidad con el carácter expresivo de la imagen mostrada en pantalla.
¿Qué hay que tener en cuenta a la hora de construir un leitmotiv? Que sea un gesto musical representativo de un personaje a la manera en que Wagner lo hacía. Que sea un motivo musical capaz de representar a varios personajes al mismo tiempo, dada su flexibilidad y adaptación al desarrollarse motívicamente. Que ha de contener los elementos musicales necesarios para caracterizar al personaje, objeto o situación que se desee etiquetar, según el uso del ritmo, interválica, armonía, etc. Que esté compuesto por dos células que puedan ser desarrolladas según los principios del desarrollo motívico. Que sea un motivo fácil de recordar para que el espectador pueda reconocerlo cada vez que aparezca asociado a un personaje.
¿Qué es un tema central? Es un tema musical que en la película tiene mucha relevancia dramática. Es el tema musical que aparece en el centro de la película como el más relevante de todos. Es uno de los temas que acompañan al tema principal y que tienen menos importancia dramática, usado como acompañamiento de secuencias menos relevantes. Es un tema sin carácter temático que sirve de ayuda para centralizar toda la atención del espectador en un conflicto dramático concreto. El tema central es el más importante de toda la película, y es el que suele aparecer en los títulos iniciales y en los créditos finales.
¿Qué es una forma musivisual? Es toda aquella organización sonora aplicada a un producto audiovisual que incluye no solo la forma musical, sino también todos aquellos elementos tecnológicos añadidos, como son sonidos sintéticos, muestras, efectos de sonido, etc. Es la forma que tiene toda música cinematográfica o, en general, audiovisual. Es una estructura musical generada durante la postproducción en el estudio de montaje y con la ayuda del montador, basada en la sincronización. Es aquella que viene determinada por la propia imagen según el montaje, dados los cambios de plano y los cambios narrativos, y que es característica de la música narrativa o dramática. Es la forma más empleada en música de cine, y que consta de introducción, sección A, sección B, interludio, sección C y coda.
A la hora de musicalizar una secuencia dramática hay que tener en cuenta: Los valores expresivos de la imagen, como son: el color, la iluminación, el montaje, los movimientos de la cámara y, en general, la fotografía. La estructura narrativa, las funciones psicológicas y la sincronización, que suele ser blanda para potenciar los valores connotativos. El carácter de la imagen, la narración, el color de la fotografía y sincronizar cada gesto y movimiento. No emplear excesivamente los clichés y estereotipos propios del género, sino más bien todas aquellas funciones técnicas que ayuden a potenciar y mejorar el engranaje audiovisual. El drama y los movimientos de los personajes, usar funciones internas y sincronizar con exactitud marcando los gestos y los cambios dramáticos por sincronía dura.
Un bloque musical es: La música, generalmente incidental o extradiegética (aunque también puede ser diegética), que sirve de nexo entre una secuencia y la siguiente. Un fragmento de música extradiegética que llena toda una secuencia sin sonidos diegéticos. El que constituye toda la música que se corresponde con un bloque cinematográfico que conforma una de las partes de la película, generalmente al inicio, en el desarrollo o en el desenlace de esta. La música que se emplea en el inicio de la película como acompañamiento de los títulos de crédito. Un fragmento de música que acompaña a una escena y que ha sido compuesta especialmente para subrayar, añadir significado o apoyar su contenido dramático.
¿Qué es un bloque genérico? Es un bloque musical que se corresponde con la parte de la película que contiene el título del film, así como los nombres de los actores principales y los jefes de equipo. Es un bloque musical que emplea los clichés propios de un género cinematográfico concreto. Los bloques genéricos son los que suelen aparecer en casi todas las películas. Es todo bloque empleado para acompañar un plano con un significado especial en la película, sirviéndole de realce. Es aquel que sirve de enlace entre dos partes de la película y que antiguamente se ponía en los intermedios.
¿Cómo se denomina un bloque que acompaña el paso entre una gran secuencia y otra secuencia de larga duración? Bloque-plano. Bloque de transición. Bloque continuo. Bloque de enlace. Bloque secuencia.
¿Cuáles son las preguntas que ha de hacerse un compositor a la hora de ubicar la música en la película? ¿Para?, ¿por?, ¿según?, ¿sobre? ¿Dónde?, ¿cómo?, ¿cuándo? y ¿por qué? ¿Cuánto?, ¿cómo?, ¿dónde?, ¿para qué? ¿Para qué?, ¿dónde?, ¿cuándo?, ¿cómo? ¿Por qué?, ¿qué?, ¿dónde?, ¿cuándo?.
¿En qué consiste fundamentalmente el «valor añadido» por la música al film? En su aporte de significado. En la «síncresis», que consiste en la sincronía con la imagen. En que, como todo proceso industrial, añade valor económico al atraer más público a las proyecciones cinematográficas. En el sentido estético que añade. Al valor musical, que permite acercar a la película a alcanzar un mayor valor artístico.
Indica qué situaciones son adecuadas para subrayar o acompañar con música: Cambios narrativos, subrayado de pensamientos de los personajes, movimientos en el backstage. Movimientos o gestos en los personajes, cambios narrativos, cambios de vestuario. Cambios de plano, giros en la trama, aparición de un personaje. Objetos que aparecen en la imagen, subrayado de palabras, movimientos del montador. Inicio de la película (títulos), final de la película (créditos) y otros momentos del film.
¿Es necesario el silencio en la música de cine? El silencio es necesario para potenciar la música, aportando expresividad. Los silencios no ayudan a aportar significado a la película, es mejor no usarlos. Solo hay que emplear el silencio musical cuando lo indique el director o el montador. El silencio tiene un valor expresivo, por lo que hay que emplearlo todo lo que sea posible, ya que crea siempre tensión. El silencio es necesario porque ayuda a realzar la desaparición de la música.
Los bloques musicales se numeran: Cronológicamente por su fecha de composición y con un número correlativo, y si es necesario un sub número (1.1, 1.2, 1.3, 1.4, etc.). Dependiendo de la bobina de película en que se encuentre cada bloque, con un máximo de 20 minutos por bloque, indicando su duración aproximada, ya que la M indica «minutos» (1M4, 2M3, 4M5, etc.). Primero los bloques más importantes (los que contienen el tema principal), y luego los secundarios (1M1, 1M2, etc. y luego 2M1, 2M2, etc.). Según su aparición en las diferentes bobinas de la película (1M1, 1M2, etc., 2M1, 2M2, 2M3, etc. y así sucesivamente). Se clasifican por el tipo de bloque (bloque continuo, bloque secuencia, etc.) y se van numerando (1M1, 2M2, 3M3, 4M4, etc.).
Actualmente los montadores: Nunca comienzan a montar la película hasta que el compositor ha organizado su música por bobinas (reels). Continúan organizando el montaje en bobinas (reels) aunque el cine es digital. Emplean un nuevo sistema de montaje que organiza las bobinas según un criterio de archivos digitales, desechando el antiguo sistema de bobinas. Proporcionan al compositor todo el montaje de la película de principio a fin para poder trabajar. Dado el paso de cine analógico a cine digital organizan el montaje en bobinas, pero el compositor no ha de emplear el antiguo sistema de numeración.
Es importante tener en cuenta el inicio de un bloque musical porque: Si se quiere hacer coincidir con un cambio de plano, lo habitual es hacerlo unos fotogramas antes, siempre dentro del margen de error de sincronía. Una vez se haya respondido a la pregunta ¿dónde?, el compositor podrá comenzar a componer teniendo en cuenta el silencio musical y sincronizando siempre cuatro fotogramas antes de los cambios de plano. Dependiendo del lugar de comienzo el montador cambiará o no su montaje para adecuarse a la música. Si se realiza demasiado pronto, la secuencia puede verse alterada si la música dura demasiado tiempo, agotando al espectador y perdiendo su efecto potenciador de significado. El significado de la secuencia puede verse alterado dependiendo del momento exacto en que se sincronice la música con la imagen.
Un filmlet es: Un spot que se expone antes de las exhibiciones de películas en las salas de cine. Un anuncio expuesto en una valla publicitaria. Un filme publicitario de corta duración. Un espacio de publicidad del tipo «teletienda». El anuncio que realiza la propia cadena como autopromoción.
La música en publicidad cumple una función fundamental, ya que: El mecanismo de redundancia posibilita que se extienda el conocimiento del producto publicitado. Decora ayudando a que el producto obtenga una estética determinada, la que propone el publicista o el anunciante. Posibilita una mejor comprensión de las bondades del producto publicitado. El público va a adquirir antes un producto publicitado con música que un producto cuya publicidad no contiene música. Mediante un proceso de síncresis, música e imagen publicitaria quedan asociadas, ayudando al recuerdo del producto.
La huella sonora es: Un mecanismo sonoro por el cual el público sigue un producto de un anuncio a otro, como si de una huella se tratara. Una especie de logo musical constituido por tres o cuatro notas. Un tema musical corto, sencillo y pegadizo de un anuncio, generalmente cantado. Un motivo musical que específicamente contiene los elementos necesarios para que el público adquiera un producto. Un motivo musical de tipo rítmico que, asociado a un producto, queda irremisiblemente en la memoria del público.
Un cover es: Una adaptación de un tema musical cambiando lo que sea necesario, incluso la letra, para que explique las bondades del producto. La grabación original de un tema concreto sincronizado con la imagen publicitaria. Una música que «cubre» parte de un anuncio como música instrumental. Una nueva grabación de un tema original que respeta todos sus arreglos, letra y melodía. Una música en el estilo de otra o que la recuerda.
Es importante a la hora de componer música en publicidad: Observar a qué grupo de personas de características parecidas (target) va dirigido el anuncio. No olvidar que la música ha de estar íntimamente sincronizada con la imagen. Tener en cuenta las diferentes estrategias de marketing que marcará el cliente. Escribir una música que llegue al público, que le transmita sensaciones y que sea novedosa para que pueda retenerla diferenciándose del resto. Que tenga una gran calidad sonora y destaque por ello, así como que esté impecablemente interpretada.
A una colección de músicas preexistentes compuestas para determinadas situaciones se denomina: Cover version. Colección genérica. Librería sonora. Fono. Music library.
En la música publicitaria abunda la aplicación de funciones musivisuales: Cinemáticas. Externas o físicas. Analíticas. Indicativas-temporales y temporales referenciales. Psicológicas o Internas.
Realzar los valores plásticos de la imagen (color, movimiento, cambios de plano) implica: Una precisa sincronización de la música con determinadas imágenes. Utilizar determinados timbres instrumentales para subrayar estos elementos visuales. El uso de un programa secuenciador adecuado que permita asociar música y vídeo. Emplear las funciones musivisuales propias de la narración cinematográfica. Usar la armonía en beneficio de los valores visuales del anuncio.
En un spot publicitario donde se anuncia un nuevo coche deportivo conducido a toda velocidad por las calles de una ciudad, en principio, el estilo musical más adecuado podría ser: Música pop rápida. Música étnica muy colorista y con percusiones. Música cinematográfica de cine de acción. Música clásica en matiz fuerte. Música be-bop con saxofón.
Indica la opción musical que se adecúa mejor a un spot publicitario en el que se anuncia una colonia joven (rango de edad: 15-20 años): Música rock, guitarras con distorsión, ritmo muy enérgico. Música new age, tonalidad mayor, delicada. Cantante de jazz, tempo vivo, acompañamiento de big-band. Música pop dinámica, optimista, tonalidad mayor. Música romántica, tonalidad menor, piano, delicada.
El music contractor se encarga de: Ayudar al compositor en todo lo que necesite para realizar la música. Avisar a los músicos de orquesta para realizar las sesiones de grabación. Contratar todo aquello necesario para la producción de la música. Programar con el compositor las sesiones de grabación. Solicitar los permisos de las músicas preexistentes para poder insertarlas en el film, así como realizar la cue sheet.
El guion técnico de una película consiste en: Un listado de situaciones argumentales relacionadas con sus códigos de tiempo para ser sincronizadas técnicamente con la música. Un escrito que contiene los diálogos y las indicaciones de desarrollo de la acción, las relaciones entre los personajes y la ubicación de esa acción. Una especie de cómic que contiene los planos y movimientos de cámara para proporcionar una idea más fidedigna del posible resultado final del film. El documento más importante del film, donde se especifican las tramas argumentales, la descripción de los personajes y las localizaciones de la acción dramática. Un guion literario al que se añaden las descripciones técnicas sobre los diversos sonidos, efectos de iluminación, planos, movimientos de cámara, etc.
La denominada spotting session es: Es aquella sesión donde el productor de la película, el director y el compositor se ponen de acuerdo sobre el estilo musical que ha de tener la música en cada secuencia. Una reunión en la que el encargado de marketing y el director de la película toman decisiones acerca del spot (tráiler) que van a realizar como publicidad de la misma. Una reunión entre el director, el compositor, y eventualmente el montador y el editor musical para decidir los momentos en que se van a situar los bloques musicales. El momento en que el editor musical y el compositor elaboran la lista de eventos (cue sheet) para posteriormente enviarla al montador del film. La sesión en que el compositor se enfrenta por vez primera al visionado de la película, que le servirá para tomar notas de cara a la composición de la música.
¿Qué es un mockup? Una maqueta musical de muestra para el director. El listado de bloques musicales de una película. El código de tiempo de inicio de cada bloque musical. Es un boceto de la música en partitura de cada bloque de música para que el director pueda hacerse una idea del resultado. Es un tipo de plug-in que permite al compositor dotar de mayor realismo a cada instrumento en el secuenciador para que el director pueda tener una idea sonora de cada bloque antes de la grabación en estudio.
¿Para qué se emplean las temporary tracks?: Para que el compositor pueda tener en un listado de pistas todas las indicaciones de tiempo para la sincronización de cada uno de los bloques (cues). Se utilizan en los secuenciadores como pistas alternativas u opcionales a las que van a quedar finalmente en la composición. Las pistas temporales consisten en indicaciones momentáneas que da el director al compositor como información adicional para la composición de los bloques de música. Como muestra sonora para que el compositor pueda tener una idea del tipo de música que quiere el director en cada momento de la película. Suelen ser dos o tres pistas de audio que, añadidas en el borde de la película (actualmente mediante programas informáticos), se emplean como método de sincronización.
Indica tres elementos a tener en cuenta por el compositor a la hora de elegir el género y el estilo musical para la película: La cronología del relato, la continuidad de la narración y la expectativa del público. Los personajes, los clichés y las indicaciones del director o productor. El vestuario, el storyboard y las localizaciones. El color de la imagen, el género cinematográfico, el contexto histórico y geográfico. Los actores, el montaje y los ruidos.
¿En qué consiste el proceso de edición de la música? En la preparación de las pistas grabadas para su posterior mezcla. En sincronizar cada cue o bloque musical con su secuencia correspondiente. En situar en el correcto balance y panorama cada pista musical. En añadir los efectos y la compresión necesaria para cada bloque musical. En preparar la película con las marcas de sincronización correspondientes antes de la grabación.
La copistería es: La fotocopia de todas y cada una de las particellas de cada bloque musical. El proceso de preparación de las partituras individuales de cada instrumento. La labor propia del supervisor musical cinematográfico consistente en copiar todas y cada una de las particellas desde el score o partitura orquestal. El establecimiento especializado en música cinematográfica donde se realizan las copias de las particellas preparadas para las sesiones de grabación. La realización de la edición final del score orquestal mediante un software de edición musical.
Actualmente, a la hora de trabajar con un orquestador es suficiente: Realizar una versión para piano de cada bloque. Enviarle un archivo de audio con el mockup de cada bloque. Realizar un guion musical a tres pautas, uno con la melodía principal, otro con los acordes y el último con los cifrados. Escribir las orquestaciones en un programa de edición musical y enviarlas al orquestador para que las corrija. Entregarle un archivo MIDI file más las indicaciones instrumentales de cada bloque.
Habitualmente el ingeniero de sonido suele preparar tras la masterización: Un disco duro con todo el material grabado para enviarlo al director de la película. Una mezcla de cada uno de los bloques en 7.1. y otra en 9.1. Dos volcados de la música de cada bloque: uno en stereo y otro en 5.1. Un archivo de vídeo por cada uno de los bloques musicales con la música sincronizada exactamente en el punto de inicio de sincronía correspondiente según indicaciones de la cue sheet. Un archivo en formato ISO 9000 que contiene todos bloques grabados más los metadatos con información de cada uno de ellos (código SMPTE, duración, título, etc.).
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