Sociología de la moda

¿Qué entiende la sociología por “lo social”?. Lo que está fuera de nosotros. La suma de individuos aislados. La red de relaciones, normas y significados que nos conectan. Solo las instituciones políticas.

¿Qué significa “desnaturalizar” en ciencias sociales?. Considerar que todo es biológico. Cuestionar lo que parece obvio y “natural”. Eliminar la cultura de la explicación. Volver a la naturaleza.

“Lo social está en cada pequeño acto” significa que: La moda es puramente individual. Las acciones individuales están atravesadas por normas y códigos. Solo importan las grandes estructuras. Los actos individuales son irrelevantes.

¿Por qué se dice que la moda es un “lenguaje social”?. Porque expresa deseos, valores y jerarquías. Porque es igual en todas las culturas. Porque solo comunica comodidad. Porque no cambia con el tiempo.

“Vestirse es situarse en el mundo” significa que: La ropa solo protege del clima. La apariencia nos ubica en un grupo y posición social. La ropa no tiene significado social. La identidad no se relaciona con el cuerpo.

En el siglo XIX, la moda se desarrolla en un contexto de: Aislamiento tecnológico. Secularización, ambiciones democráticas y avances industriales. Rechazo al consumo. Feudalismo.

La moda como “reflejo cultural” significa que: Es idéntica en todas las clases. Refleja el modo cultural hegemónico de la burguesía. Es un fenómeno puramente económico. No tiene relación con la ideología.

Para Gabriel Tarde, la sociedad se construye por: La biología. La imitación. La religión. La coerción estatal.

Según Tarde, las clases inferiores tienden a: Copiar a las clases o individuos juzgados superiores. Vestirse siempre igual. Rechazar todo lo de las clases superiores. Crear modas sin influencia externa.

En Tarde, la moda puede entenderse como: Una ola de contagio social del deseo. Un castigo moral. Un fenómeno estático. Un simple capricho individual.

Para Simmel, la moda se difunde principalmente: De abajo hacia arriba. Horizontalmente entre iguales. De la cima social hacia las clases inferiores. Solo en las élites.

¿Qué dos mecanismos identifica Simmel en la moda?. Tradición e innovación. Producción y consumo. Imitación y distinción. Necesidad y lujo.

La imitación, según Simmel, responde a la necesidad de: Rechazar toda norma. Formar parte de un grupo y evitar la exclusión. Mantener la tradición inmutable. Aislarse del grupo.

La distinción, según Simmel, satisface la necesidad de: Ser idéntico a los demás. Diferenciarse y destacar. Reducir el cambio. Eliminar la moda.

Para Simmel, el “tiempo de la moda” es: Lento y estable. El tiempo del instante, lo efímero y la novedad. Independiente de la vida urbana. Cíclico pero inmóvil.

La “tragedia de la moda” en Simmel es que: La moda nunca cambia. La moda es eterna. La moda no tiene sentido social. Cuando todos la imitan, deja de ser moda.

La teoría del “trickle down” describe: Difusión solo entre jóvenes. Difusión ascendente. Difusión descendente desde las élites. Difusión solo por medios digitales.

El “trickle across” sugiere: Distinción horizontal entre grupos sociales próximos. Que la moda no circula. Solo imitación de las élites. Ausencia de distinción.

Para Veblen, el consumo en la sociedad capitalista se convierte en: Consumo invisible. Consumo ostentoso. Consumo exclusivamente funcional. Consumo de subsistencia.

¿Qué es el “ocio ostentoso”?. Practicar deporte. Ahorrar al máximo. Mostrar la capacidad de vivir sin trabajar. Trabajar muchas horas.

Un ejemplo de ocio ostentoso sería: Ropa técnica de trabajo. Uniformes industriales. Ropa deportiva barata. Prendas que impiden la movilidad y el trabajo.

En Veblen, el cuerpo vestido se convierte en: Un simple soporte biológico. Un elemento neutro. Un espacio sin significado. Un cartel del estatus social.

Las prendas blancas impolutas simbolizan: Neutralidad social. Pobreza. Que quien las lleva no trabaja. Trabajo manual.

Para Walter Benjamin, la moda es: Un simple arte decorativo. El lenguaje visual del capitalismo. Un fenómeno ajeno al capitalismo. Un residuo premoderno.

Benjamin considera que la moda: Anticipa el futuro. Solo mira al pasado. No se relaciona con la desigualdad. Es políticamente neutra.

El consumo ostentoso se reconoce cuando: Se oculta el gasto. Se muestra el gasto o la exclusividad. Se compra solo lo necesario. Se recicla todo.

En el siglo XX, la moda se consolida como: Fenómeno exclusivamente artesanal. Un arte minoritario. Práctica religiosa. Organización social de la apariencia.

Un factor clave tras la Segunda Guerra Mundial fue: Aparición de la juventud como categoría cultural. Fin de la cultura visual. Prohibición de la alta costura. Desaparición de los medios.

El ready-to-wear americano implicó: Rechazo de la producción en serie. Vuelta al traje artesanal. Expansión de la ropa en serie. Desaparición del consumo de masas.

En los años 60, el dimorfismo sexual en el vestido: Se refuerza. Es puesto en cuestión. Se mantiene intacto. Desaparece la moda femenina.

El “vestido-protesta” se asocia especialmente a: Trajes de oficina. Alta costura clásica. Uniformes militares. Modas hippie y punk.

La calle se convierte, desde los 60, en: Un espacio sin estilo. Solo lugar de consumo. Foco y escenario de referencia para diseñadores. Un espacio irrelevante.

Roland Barthes considera la moda como: Un sistema de signos. Un fenómeno puramente económico. Un arte sin lenguaje. Un residuo premoderno.

La semiología estudia: La técnica textil. Los signos y su capacidad para producir sentido. La biología del cuerpo. Solo la economía.

Barthes se centra especialmente en: La producción industrial. El vestido real en la calle. Solo la alta costura. El vestido descrito en las revistas de moda.

¿Cuál NO es una de las estructuras del vestido en Barthes?. Vestido - imagen. Vestido - escrito. Vestido - real. Vestido - genético.

Para Barthes, lo importante no es la prenda sino: Su origen geográfico. El discurso que la hace significativa. Su durabilidad. Su precio.

“Consumimos signos, no objetos” es una idea de: Bourdieu. Baudrillard. Simmel. Veblen.

Para Baudrillard, la moda produce sobre todo: Estabilidad. Ahorro. Utilidad. Deseo y novedad.

El concepto de “simulacro” alude a: Una copia fiel de la realidad. Un error de percepción. Una representación que ya poco tiene que ver con la realidad. Una simple imitación técnica.

Según Baudrillard, la moda bajo apariencia de cambio: Rompe con el consumo. Elimina la desigualdad. Libera completamente al sujeto. Es una inercia de inmovilidad cultural.

En Baudrillard, lo que parece rebeldía: El mercado lo convierte en tendencia. Destruye el sistema. No tiene impacto. Es ignorado por el mercado.

El ejemplo del punk en Baudrillard muestra: Cómo desaparece el consumo. Cómo la alta costura domina siempre. Cómo la crítica se neutraliza al volverse tendencia. Cómo la moda rechaza la calle.

Para Bourdieu, el gusto es: Un rasgo biológico. Una práctica social aprendida. Un don innato. Una elección puramente individual.

El habitus es: Un tipo de capital económico. Una moda pasajera. Un código legal. Un conjunto de disposiciones que orientan nuestras elecciones.

El habitus: Predispone a sentir que ciertas cosas “nos pegan”. No influye en el gusto. Impone mecánicamente. Es idéntico en todas las clases.

Bourdieu distingue entre capital: Natural y artificial. Económico y cultural. Solo simbólico. Solo económico.

La moda, para Bourdieu, funciona como: Un fenómeno apolítico. Un simple adorno. Un juego sin consecuencias. Un lenguaje social que organiza diferencias.

El “campo de la moda” es: Un ámbito solo artístico. Un mercado puramente económico. Un espacio donde actores luchan por imponer qué es legítimo. Un espacio sin conflictos.

El gusto actúa como distinción porque: No se ve en la práctica. Parece preferencia estética pero es estrategia social. No tiene relación con la clase. Es idéntico en todas las culturas.

Para Lipovetsky, la moda contemporánea se caracteriza por: Estabilidad y tradición. Rechazo del individuo. Desaparición del consumo. Imperio de lo efímero.

En Lipovetsky, la moda distingue por: Estilo personal. Nacionalidad. Religión. Edad biológica.

La moda abierta y plural celebra: La uniformidad. La obediencia ciega. La desaparición del cuerpo. La libertad de elegir.

En la cultura de la imagen, el yo se convierte en: Una esencia fija. Un dato biológico. Un proyecto estético. Un sujeto sin cuerpo.

Los Fashion Studies surgen con fuerza en: Décadas de 1920–1930. Después de 2020. Décadas de 1880–1890. Décadas de 1980–1990.

Los Fashion Studies entienden la moda como: Lenguaje cultural y político. Fenómeno puramente técnico. Actividad económica sin símbolos. Arte sin contexto social.

En los Fashion Studies, el cuerpo es: Un mero soporte biológico. Un territorio simbólico donde se negocian género y poder. Un dato natural fijo. Un elemento irrelevante.

Una aportación clave de los Fashion Studies es: Negar la influencia de subculturas. Reducir la moda a lujo. Revisar teorías clásicas como el “trickle down”. Eliminar la dimensión política.

La performatividad de la identidad implica que: La identidad se construye mediante actos repetidos. La identidad es fija. La ropa no influye en el género. El cuerpo es ajeno a la cultura.

¿Qué corriente filosófica influye en los Fashion Studies?. Escolástica medieval. Positivismo clásico. Empirismo lógico. Filosofía estructuralista y posestructuralista francesa.

En la modernidad burguesa, los “modos y modas” sirven para: Homogeneizar totalmente la apariencia. Codificar buenas maneras y distinción social. Eliminar jerarquías. Sustituir la política.

El nacimiento de la alta costura se vincula a: Producción anónima en serie. Creadores con firma y clientela exclusiva. Cooperativas obreras. Uniformes militares.

La alta costura se relaciona con: Lujo, exclusividad y artesanía extrema. Producción masiva barata. Democratización total. Ropa de trabajo.

La Belle Époque se asocia a: Austeridad extrema. Uniformidad proletaria. Esplendor burgués y refinamiento. Desaparición de la moda.

El “desencorsetamiento” alude a: Prohibición de la moda. Mayor rigidez. Vuelta al corsé. Liberación del cuerpo femenino.

Las “modas en masculino” tienden a: Colores estridentes. Sobriedad y funcionalidad. Exceso ornamental. Ausencia de normas.

Las “modas en femenino” históricamente se han asociado a: Invisibilidad del cuerpo. Exclusivo uso de pantalones. Control del cuerpo y exhibición regulada. Neutralidad total.

Los años 20 se caracterizan por: Democratización de la moda. Refuerzo de la alta costura elitista. Prohibición del prêt-à-porter. Desaparición de la juventud.

Una imagen típica de los años 20 es: Crinolinas voluminosas. Trajes victorianos. Silueta encorsetada. Silueta recta y flapper.

Los años 30 se asocian al: Glamour hollywoodiense. Minimalismo radical. Desaparición de la moda femenina. Uniformes militares.

Las vanguardias históricas comparten: Defensa del clasicismo. Rechazo de la industria. Culto a la tradición. Culto a la modernidad y el progreso.

El futurismo enfatiza: Dinamismo y funcionalidad. Pesadez y ornamento. Vuelta al pasado. Neutralidad política.

El dadaísmo se vincula a: Racionalidad extrema. Uniformidad. Lo absurdo y lo banal. Orden y armonía.

El constructivismo propone: Moda puramente ornamental. Diseño al servicio de la fábrica. Exclusivo lujo artesanal. Rechazo de la industria.

El surrealismo introduce: Minimalismo absoluto. Una poética de lo inconsciente. Uniformes militares. Racionalidad técnica.

Las neovanguardias se relacionan con: Abstracción geométrica y minimalismo. Vuelta al barroco. Rechazo del arte. Desaparición de la moda.

El neofuturismo imagina: Ropa exclusivamente artesanal. Trajes tecnológicos y cuerpos del futuro. Cuerpos inmóviles. Vuelta al corsé.

La historia del feminismo en moda muestra: Ausencia de relación. Rechazo total de la apariencia. Tensiones entre control del cuerpo y apropiación del estilo. Que la moda siempre oprime.

El Pop Art introduce: Cultura de masas y lo popular. Exclusivo clasicismo. Rechazo del color. Solo referencias religiosas.

El arte conceptual en moda busca: Decorar sin mensaje. Reforzar estereotipos. Puro lujo. Cuestionar consumo, cuerpo y poder.

La posguerra y la “edad dorada” de la alta costura se asocian a: Dominio exclusivo de Nueva York. Christian Dior y el New Look. Desaparición de París. Fin de la feminidad.

El “fenómeno Dior” se caracteriza por: Ropa unisex. Minimalismo deportivo. Silueta reloj de arena y cintura marcada. Siluetas rectas.

Balenciaga es conocido como: Maestro couturier de volúmenes. Artista pop. Teórico de la sociología. Diseñador de fast fashion.

La rivalidad París vs Nueva York expresa: Igualdad total. Exclusivo dominio americano. Desaparición de la alta costura. Tradición artesanal vs pragmatismo industrial.

La revolución de Yves Saint Laurent incluye: Rechazo del prêt-à-porter. El smoking femenino. Vuelta al corsé. Solo alta costura clásica.

La juventud en los 60 se convierte en: Consumidor pasivo. Ausente de la moda. Motor de innovación. Defensora del clasicismo.

“Swinging London” se asocia a: Moda victoriana. Minifalda y cultura pop. Alta costura parisina. Conservadurismo.

El “vestido protesta” busca: Integrarse en el orden. Eliminar la identidad. Reforzar jerarquías. Expresar contestación política.

El eclecticismo implica: Uniformidad obligatoria. Mezcla de referencias y códigos. Un solo estilo legítimo. Desaparición de la moda.

Las subculturas urbanas muestran que: La moda solo viene de arriba. No tienen impacto. Son ajenas al consumo. Estilos marginales pueden influir en la moda.

La sensibilidad camp se define por: Minimalismo. Neutralidad estética. Exceso, artificio e ironía. Búsqueda de sobriedad.

Lo camp suele: Rechazar el espectáculo. Tomar lo serio como serio. Eliminar el género. Releer lo kitsch con ironía.

El impacto camp en moda se ve en: Diseños exagerados e irónicos. Ropa de trabajo. Uniformes militares. Sobriedad absoluta.

El punk se caracteriza por: Glamour clásico. Neutralidad política. Aullidos, ruptura y DIY. Orden y limpieza.

Cuando el punk pasa a la pasarela: Se prohíbe. Se transforma en tendencia comercial. Se rechaza. Desaparece.

El power dressing se asocia a: Moda hippie. Trajes estructurados y hombreras. Minimalismo grunge. Ropa deportiva.

Las “working girls” representan: Exclusivo rol doméstico. Mujeres que negocian poder y feminidad. Mujeres fuera del trabajo. Rechazo del traje.

El diseño japonés crítico se caracteriza por: Glamour hollywoodiense. Moda deportiva. Ajuste perfecto al cuerpo. Siluetas deconstruidas y asimetría.

La deconstrucción en moda implica: Volver al corsé. Ocultar el proceso. Respetar siempre la forma clásica. Mostrar costuras y desmontar prendas.

El streetwear se consolida como: Triunfo de la calle como legitimidad. Fenómeno marginal. Moda de élite sin calle. Ropa deportiva profesional.

La fast fashion se define por: Producción rápida y masiva. Exclusividad. Artesanía lenta. Lista de espera.

“Moda y futuro” aborda: Vuelta al pasado. Fin de la tecnología. Desaparición de la imagen. Utopías corporales y desafíos digitales.

Para Dick Hebdige, el estilo subcultural funciona como: Un adorno sin significado. Una forma de resistencia simbólica. Una moda pasajera. Un fenómeno puramente económico.

Según Hebdige, la industria de la moda hace con los estilos subculturales: Los recodifica y neutraliza. Los prohíbe. Los ignora completamente. Los vuelve más radicales.

Valerie Steele estudia principalmente: La producción industrial. La economía del lujo. La historia del prêt-à-porter. La relación entre moda, fetichismo y sexualidad.

Para Valerie Steele, el corsé es: Un objeto sin carga simbólica. Un artefacto cargado de erotismo, disciplina y deseo. Una prenda exclusivamente médica. Un invento del siglo XX.

Elizabeth Wilson afirma que la moda: Es superficial y apolítica. No tiene relación con el feminismo. Es siempre liberadora. Es un campo de conflicto entre opresión y expresión.

Para Elizabeth Wilson, la moda y el feminismo: Son incompatibles. No se relacionan. Mantienen tensiones históricas. Son idénticos.

Judith Butler sostiene que el género es: Una esencia biológica. Una performatividad construida mediante actos repetidos. Un rasgo fijo e inmutable. Un fenómeno exclusivamente psicológico.

Aplicado a la moda, Butler implica que: Vestirse es un acto performativo que produce género. La ropa no influye en la identidad. La moda es neutra. El cuerpo no importa.

Para Michel Foucault, el cuerpo es: Un fenómeno puramente biológico. Un espacio sin poder. Un objeto natural sin historia. Un territorio disciplinado por normas sociales.

En moda, la idea foucaultiana de disciplina se ve en: La ausencia de normas estéticas. La desaparición de estándares. Las presiones sobre el cuerpo para ajustarse a ideales. La neutralidad del cuerpo.

Susan Bordo analiza: La presión estética sobre el cuerpo femenino. La historia del calzado. La economía del lujo. La moda masculina del siglo XIX.

Para Bordo, los ideales corporales contemporáneos: Son naturales. No afectan a la salud mental. Son construcciones culturales que disciplinan el cuerpo. Son universales e históricos.

Erving Goffman entiende la vida social como: Un fenómeno sin interacción. Una representación teatral. Un sistema económico. Un proceso biológico.

Aplicado a la moda, Goffman implica que: Vestirse es parte de la “presentación del yo”. La ropa no comunica. La apariencia es irrelevante. La identidad es fija.

En la globalización de la moda, un concepto clave es: La hibridación cultural. La uniformidad total. La desaparición de las tendencias. El aislamiento estético.

La globalización ha provocado que: Las modas no circulen. La moda sea idéntica en todas partes. Solo París dicte la moda. Las tendencias se difundan a escala planetaria.

El streetwear se caracteriza por: Su origen en élites aristocráticas. Su rechazo total al deporte. Su exclusividad absoluta. Su raíz en culturas urbanas como skate y hip-hop.

El streetwear introduce en la moda: La idea de lujo silencioso. La legitimidad de la calle como creadora de estilo. La desaparición del consumo. La vuelta al corsé.

El fast fashion se basa en: Producción lenta y artesanal. Exclusividad y listas de espera. Producción acelerada y rotación constante de tendencias. Ropa hecha a medida.

Un efecto social de la fast fashion es: La aceleración del deseo y la obsolescencia. La reducción del consumo. La desaparición de la moda juvenil. La estabilidad estética.